김현숙 作




윤영수 作


(2)내적의미부여, 재해석
작가들은 자신의 종교적 믿음을 작품에 투영하기도 하였고, 작품의 기능 중 비판적인 내용의 작품들도 있었다. 감상자로 하여금 마음 포근해 지는 작품들이 있었고, 십자가를 통해 현 종교의 비판적 시각이나 자신의 고통에 대해 표현한 작품들이다.
 고성희의 작품은 파란색 조명 십자가이다. 교회에서 봄 직한 세련된 형태의 십자가 금속 틀에 잘린 유리봉들이 박혀있다. 마치 네온사인 간판 같은 파란색 불빛이 점멸하는 것은 현대의 환경 속에서 표식에 불과한 신성성을 잃은 십자가를 보는 듯하다. 박정근의 작품은 종교에 대한 현대인의 태도와 부조리를 인류최고의 베스트셀러 성경책을 소재로 하여 역설하고 있다.
 

고성희 作


소통 (communication)

현대미술에서 다양한 형태의 소재와 주제들이 등장하였다.
다양한 전시들을 통해 작가들은 사회비판이나 구체적 삶에 현실 등을 작품에 이입하였고 그 안에서 타자를 대변하거나 주가 되기도 한다. 허나, 정작 예술을 향유하는 관람자의 위상은 여전히 고려되지 않았고, 타자로 남아있다.
 전시의 본질은 관람자와 작품(작가)와의 소통과 교감이며, 이는 작품을 통해 작가로부터 관람자에게 무언가가 전달된다는 의미이다. ‘소통’에 대한 다양한 의미가 상용되어지고 있지만 종합해보면 인간상호관계를 유지 발전시키기 위해 자신의 감정과 생각, 사실, 의견 등을 여러 가지 상징을 통해 타인에게 전달하고 수신하여 서로 공통된 의미를 수립하고, 더 아나가 서로의 영향을 미치는 과정 및 행동이라 할 수 있다. 허나 많은 전시들이 관람객에게 일방적, 소극적 소통을 해왔다. 최근 전시에 대한 연구가 지속, 발전하면서 상호작용적 소통에 대한 목소리가 높다. 이는 전시에 대한 정보의 내용을 효과적 전달하며 관람객들의 피드백을 통해 전시를 구성해야한다는 것이다. 즉 전시는 관람객과의 상호작용을 발생시키고 전달하는 일종의 매체이며, 이는 메시지의 전달과 의미의 생산과 교환을 해야 한다.
이러한 관점에서 「CROSS•OVER」전의 경우 소통이 원활히 되었는가에 대한 대답은 절반의 성공과 절반의 아쉬움라고 생각한다. 매주 2~3회 이상 전시장에 있으면서 일반대중과의 소통을 시도하였고 전시기간 약 한 달 동안 일간 평균 100명이 다녀갔다. 초반 전시 관람객은 대부분 미술관계자, 작가나 작품에 대한 이해가 있는 관람객이 대부분이었으나 점차 주 관람객 은 도자에 지식이 거의 없는 일반인, 종교인, 지체장애인, 노인, 어린이 등 층으로 넓어졌다. 전문 박물관 미술관이 아닌 대관형식의 전시라는 것과 접근성이 떨어지는 장소였다는 점을 감안하면 성공적이라 생각한다. 그리고 고무적인 것은 일반관객들에게서 다양한 이야기를 끌어냈다는 점이다. 아마도 십자가라는 친숙한 형태와 기본적 종교에 대한 지식에서 오는 공감대가 안도감을 느끼게 했던 것 같다. 관람 시 몰입도가 높았고 거리낌 없이 느낌과 생각을 서로 공유하였으며, 나아가 의미해석자, 평론가적 면모를 보이는 관객들도 있었다. 그 중에는 작가, 기획자도 생각하지 못한 날카롭고도 훌륭한(?) 이야기들도 있었다.
 아쉬움으로 남는 점은 그동안의 소통의 부족에서 오는 것들이었다. 예를 들어 재료가 무엇인지를 가장 많이 물어왔는데, ‘도자, 유리’라고 대답하면 제일먼저 똑똑 두들겨 보는 전시에티켓에 반하는 행동을 서슴없이 하기도 했다. 그리고 ‘이 작품은 어디에 쓸모가 있나요?’ ‘왜 공예작품이 벽에 붙어있나요?’등을 물어왔을 때 일반대중이 가지고 있는 도자에 대한 고정관념과 부족한 이해는 생각하는 것보다 격차가 크다는 것을 느꼈다.
전시는 작품과 그 자체의 내재적인 가치만으로 완성된다고 할 수 없다. 관객의 체험과 반응을 통해 그 의미와 가치가 진정성을 갖게 된다. 양자 간에 어떠한 작용이 일어나는가?, 그리고 효과적인 상호작용을 위해서 어떻게 해야 하는가?에 대한 질문을 다시금 던질 필요성이 있다.
 도자전시의 특징인 질료적 성격을 이해해야 한다는 점을 보완하기위해 관람객의 선- 이해를 효과적으로 하게 하기 위한 방법을 모색하고 작가와 기획자간의 심도 있는 소통, 전시를 보는 다양한 관점을 키우고, 무엇보다 자신의 역할에 충실히 한다면 내실 있는 전시를 만들어 나갈 수 있을 것이라 생각한다. 나아가 어느 장르보다 향유할 수 있는 관람객 층이 넓어 질 것이다.

 자비에 보브와(Xavier Beauvois) 감독의 ‘신과 인간(Of Gods And Men, 2010)’이라는 영화는 알제리 산골 수도원과 인근 마을을 배경으로 신과 인간 사이에서 숭고한 신념을 지켜가는 수도사들의 모습을 담아내고 있다. 어느날 이슬람 근본주의자들에 의해 마을이 위기에 처하면서 수도사들은 자신들의 안위와 종교적 신념 사이에서 선택의 순간을 맞이한다.
 그들은 약해져가는 심령을 서로 어루만지면서 매일 밤 마음의 번뇌와 갈등, 두려움을 머리맡에 걸린 십자가에 의지하며 버텨내고 있다. 그런데 그 십자가는 예수 그리스도의 성물(聖物)로서의 황금 십자가와는 달랐다. 그것은 허드레 나무가 투박스럽게 십자 모양으로 교차되어 있었는데 그 속에는 단조롭지만 고단한 일상이 녹아져 있으며, 그들의 노동과 거친 손을 닮아 있었다. 공동체 노동 속에서 수집된 나무 조각들은 단순하지만 강력한 조형성을 갖게 되어 고귀한 쓸모를 찾았을 뿐만 아니라 신념을 투사하는 매개물로 확대된 것이다. 그리고 그것에 마음을 기대는 지속적인 행위로 인해 한낱 사물은 영적인 대상, 심령의 산물로 새로운 쓰임새를 가지게 되었다.
 영화의 한 장면에서 십자가의 의미를 끌어내는 데에는 분명 한계가 있음을 인지하지만 삶의 양식과 필요가 의도되지 않은 공예를 구현하기도 하며, 종교적 성물 역시 전문 제작자뿐만 아니라 이를 절실히 필요로 하는 사람들이 직접 만들어 성스럽게 소비할 수 있다는 것을 엿볼 수 있다.

오늘의 십자가, 그 쓰임

그렇다면 오늘날 ‘십자가’의 쓰임새는 어떠한가. 십자 모양의 조형물은 전에 없는 많은 의미와 기능을 가지고 있으며, 그만큼 다양하게 응용되고 있다. 그것은 죽은 이의 무덤에 놓여 천국에서의 부활과 안녕을 의미하고, 한 가정의 한쪽 벽면에 걸려 신앙과 규범을 상징하고, 동네어귀 교회 첨탑 꼭대기에 빛나며 현대교회를 표상하고 있다. 때로는 장신구로서 우리 목에 걸리기도 하고, 반종교적인 활동을 위해 변형되기도 한다.
 오늘날 십자가는 종교에서 가지는 절대적인 의미를 상징하는 동시에 두 획이 교차된 조형의 하나이자 거리에서 쉽게 만날 수 있는 아이콘이 되었다. 우리는 엄숙한 예배당 내부에 걸린 십자가에서 숙연해지거나 경건함을 느끼고, 교회지붕 가장 높은 곳에 홀로 빛나는 네온사인 십자가에서는 왠지 모를 키치적인 것을 경험하게 된다. 이렇듯 십자가는 신과 인간, 의식과 무의식, 삶과 죽음, 빛과 어두움 등 수많은 양극적인 요소를 이어주는 종교적 속성을 내재하고 있을 뿐만 아니라 동시대의 대표적인 상징적 요소이자 기능적인 아이템로 ‘활용’되고 있다.
 영화에서처럼 십자가는 경건한 믿음과 종교적 신념을 상징했고, 예수 그리스도의 수난과 죽음, 그리고 부활의 과정과 의미가 중첩되어 있었다. 그러나 오늘날 우리가 가진 십자가는 개인적 소망이 가득하고, 그 바람을 적절히 투사하는 ‘매개물’로 쓰이고 있는 것은 아닐까. 종교인을 포함한 많은 수의 현대인들이 이런 절차에 익숙해지고 학습되어 또 다른 우상(idol)을 만들고 있는 것은 아닐까.

그곳에서의 십자가, “cross-over”

이번 전시에 참여한 60명의 작가들은 십자가를 어떻게 표현하고 있을까. 복잡하게 얽혀있는 의미들 안에서 종교를 예술화한다는 것, 전혀 다른 차원의 것들에서 적절한 타협점을 발견하고 이를 유연하게 표현한다는 것은 결코 쉬운 일이 아니다. 이번 전시는 십자가의 형상을 직접적으로 표현하며 자신의 종교적 신념과 소명을 표현한 작업들이 주를 이루고 있지만, 형태를 넘어 신앙이라는 것과 참의미에 대해서 깊게 고민한 작업들도 보인다.
 많은 작품들은 성물로서의 십자가에 접근하고 있으며, 강력한 조형성과 다채로운 공예기법을 바탕으로 십자가를 표현하여 관람객의 시선과 마음을 사로잡고 있다. 특히 김준용은 유리속에서 반사되는 네 개의 십자가 이미지를 표현하고 있으며, 권오훈 작가의 “빛”은 단단하고 무거운 덩어리 속 이편과 저편을 나누는 것과 같은 십자가 문의 형상을 만들었다. 이러한 작품들은 십자가 형상을 직접적으로 표현하거나 작품의 일부분으로 만들어 관람객으로 하여금 희망하는 것을 보게한다.
 반면 몇몇 작품에서는 성도들의 내면에 접근하고 재해석하여 의미적 차원으로서의 십자가를 표현하고 있다. 이인진 작가의 작품은 십자 모양의 익살스러운 이목구비를 가진 얼굴 형상의 도자들이 모여 있다. 이는 신앙과 교회가 사람들의 모둠과 서로간의 관계, 그리고 그 안에서 공유되는 ‘나눔의 십자가’로 인해 만들어진다는 것을 암시하고 있다. 이소영 작가 역시 둥글게 손을 잡고 앉아서 중앙의 빈 곳을 응시하는 토끼들의 모둠을 만들었다. 현대사회의 연약한 인간들이 신앙 안에서 서로를 의지하는 모습을 상징적으로 보여주며 그 공동의 믿음은 만져질 수는 없지만 ‘견고한 십자가’를 표현하고 있는 듯하다.
 이번 전시에서 관람객들은 무언의 공감대 아래 두 선의 익숙한 만남 또는 충돌을 찾아다니며, 그것이 친절하게 구현된 작품에서 안도감을 느낄 것이다. 신앙과 예술적 표현 사이에서 적절한 균형을 발견한 작가에게 대화를 걸고, 십자가 형상을 찾아가는 과정에서 관람객은 작가의 신앙을 추측해보기도 할 것이다.
 흙과 유리는 정교하고 엄숙하게 다루어졌다. 흙과 유리는 재료로서 형태를 만드는데 자유로운 반면 끈질긴 인내가 소요되며 시간의 제한을 가지고 있다. 이러한 물성 아래 작가들은 다양한 기법을 사용하여 십자가의 형태를 조합했다.
 그들은 오랜 가공 과정에서 개인적인 십자가를 경험했을 것이며 분명, 그 시간 속에서 개인적인 바람과 소망을 담았을 것이다. 그래서 ‘도예’는 십자가를 닮았다. 불로 단단해져가는 흙의 성질과 명상과도 같은 작업 자체가 십자가를 보여주는 것이다.