기(器)를 통한 정신 세계의 표현
-커트 와이저(kurt weiser)에 대하여-
김생화
*목차*
Ⅰ. 서론
Ⅱ. 커트 와이저의 삶
1. 개인의 성장 환경
2. 사회의 영향
Ⅲ. 작품의 외형적 특징
1. 비대칭적 형태
2. 사실적 드로잉
Ⅳ. 드로잉의 내용을 통한 정신세계 표출
Ⅴ. 결론
*참고문헌
*참고 싸이트
*작가 약력
Ⅰ. 서론
커트 와이저는 미국 현대도예가로서 기의 형태 위에 드로잉을 하는 작가로 알려져
있다.커트 와이저는 도자기를 시작하면서 부터 기의 형태와 드로잉을 통해 그가 표현하고자
한 것을 작품화하였다. 그의 작업의 변화는 1990년대 이후로 볼 수 있다. 1980년대
에는 기둥의 형태를 응용하여 작업을 하였는데, 본고에서는 현재 제작하고 있는 작품의
성향을 1990년대 이후의 작품을 통해 설명함 으로서, 그가 표출하고 있는 작가의
정신세계에 대해서 연구하고자 한다. 그의 작업을 연구하기 위하여 미국도예가로서
그가 받은 사회적 영향을 간과할 수 없다. 커트 와이저가 태어난 1950년대, 이 시기의
미국도예는 캘리포니아의 오티스 미술학교에 의해 주도되었다. 2차대전후 미국전반에
걸쳐 구성주의나 추상표현주의 등 추상주의적인 예술의 영향으로 도예도 추상성을
더해갔다. 그는 추상적인 도예의 영향과 함께 미국의 순수미술에서 나타나는 여러
가지 미술사조의 특성을 포함하고 있다. 가드클락 갤러리에서 제작된「kurt weiser」의
책에서는 "2000 Garth Clark Gallery printed in China"라는 제목의 전시회
도록의 내용을 언급하며, 그의 작품을 도자기 위에 그려진 차이나 페인트(China Paint)기법의
드로잉이라고 말하고 있다. 커트 와이저가 사용한 차이나 페인트 기법 은 무의식의
세계와 꿈의 세계를 표현하는 초현실주의와 현실을 주관적으로 왜곡하지 않고 객관적으로
표현하는 사실주의의 특징을 가진다고 설명하고 있다. 『ceramics monthly』에서는
커트 와이저의 비대칭적 형태를 추상표현주의의 성격을 띄고 있다고 설명하고 있다.
이러한 미술사조의 영향은 그의 작품의 외형적 특징을 통해 살펴볼 수 있다. 커트
와이저의 배경과 작품에서 나타나는 특징을 살펴보면 그가 미국의 현대 도예계에서
주목할 만한 작가임에 틀림없다. 그의 작업 은 단순한 도자기로서가 아닌 도자기에
드로잉을 통해 그의 정신세계를 표현하고 있다. 그는 새, 물고기, 짐승, 나무, 꽃
등을 선택하여 개인적인 것과 사회적이고 정치적인 이야기를 그린다. 또한, 성적인
묘사를 통해 자 극적 이야기를 그리기도 한다. 이러한 소재로 그려질 그림의 이야기에
그의 예술을 담는 것이다. 본론에서는 커트 와이저의 개인적 성장 환경과 사회적
영향에 대해서 조사하고, 그의 작업을 통해 표현하고자 하는 내용을 설명하기 위하여,
형태와 드로잉으로 나누어 작품을 분석한다. 첫 번째, 외형적으로 보이는 형태에
대하여 설명한다. 형태는 주전자, 병, 뚜껑이 있는 항아리로 종류에 따라 분류하여
추상성을 가 진 각각의 형태를 연구한다. 두 번째, 드로잉의 표현은 인물, 동물,
자연물의 소재로 나누었다. 마지막으로, 작업을 통해 표현하고자 하는 내용을 분석함으로서
그의 정신세계를 설명한다. 그러므로, 그의 작품을 연구를 통해 얻은 결론과 작가,
교육자로서의 그의 작업과 생활 태도에 대해서 생각해 보기로 한다.
Ⅱ. 커트 와이저의 삶
1. 개인의 성장 환경
커트 와이저는 1950년 미시간에서 태어났다. 그는 어린 시절부터 그림책(story
book)을 좋아했다고 한다. 아침에 시리얼을 먹으며, 여러 가지 모양과 색을 보며
그림책의 이야기를 상상하곤 했다고 한다. 중학교 시절에는 수학적인 것에 관심이
없었고, 동물 , 식물, 자연에 관심을 가지고 신비로워했다. 이러한 사고는 그가 성장하며
동양학자들에 대해서 관심을 갖게 하였다. 그의 작품에 그림이 그려지기 시작한 것은
1990년부터 우연 하게 차이나 페인트(China Paint)기법으로 그려진 유럽의 고풍스럽고
화려한 컵과 접시와 차주전자에 그려진 드로잉을 보면서부터이 다. 차이나 페인트
기법을 접하게 된 것은 커트와이저가 타이를 여행했을 때였는데, 이것은 그의 작업의
색이 변화하게 하는 계기가 된 다. 여행을 통해 그 나라의 물질적인 아름다움과 식물,
동물을 차이나 페인트를 통해 표현된 것에 감명을 받게 된다.그는 드로잉에 대한
흥미를 가지면서, 도예가로서 만들어 낼 수 있는 갖가지 유약의 색과 훌륭한 소성법을
연구하게 하였다. 그래서, 1990년 이후에는 조형적 형태에 치중하기보다 형태 위에
그려질 그림의 내용(story)에 그의 예술을 담기 시작했다. 그는 아 무 것도 없는
평범한 주전자에 그림을 그려 보다 도자기 의 특성을 살린다. 그림의 내용에서 보이는
개인적 요소를 살펴보면, 그의 아내가 찍은 사진을 컴퓨터로 길게 늘여, 사람을 표현하기도
한 것이다. 그것은 현재 그의 아내가 사진작가이기 때문에 작업에 응용 하는 계기가
된다. 그의 개인적 환경은 최근 시각 예술가의 친분을 가지게 되었다. 아시아 문화협의회를
통해 국제적 기여를 함으로 써, 그의 주전자는 명성을 얻게 되었다. 그의 이러한
친분을 통해 일본에 초대되어 워크샵을 하기도 하였다.
2. 사회의 영향
그가 태어나 자란 미시간은 1960년 당시 추상표현주의 조각이 유행하였다. 추상표현주의
영향으로 도입된 자유로운 형태나 밝은 색채의 유약, 형식에 얽매이지 않은 추상적이면서
회화적인 요소가 강해졌다. 그러므로, 사회의 현상을 해학적으로 풀이한 캘리포니아
도자기의 특성을 가진 도자 조각이라는 도자예술영역을 발전시키게 되었다. 추상표현주의는
입체주의의 형태적인 면과 초현실주의의 원시적 주제에 영향을 받아 내용을 중시하였고,
자동기술법이라는 기술만을 채택하였다. 자동기술법은 초현실주의 시인의 시의 창작
방법을 가리킨다. 앙드레 브루통은 '초현실주의 선언(1924)'에서 "초현실주
의는 언어나 다른 어떤 행위, 사고의 실제적 기능, 이성과 미학적, 도덕적 고려에
의한 통제와는 다른 사고를 표현하는 것, 즉 순수 한 정신적 자동기술이다"라고
정의하였다. 이것은 프로이트의 정신 분석의 학설을 응용한 것이다. 또한 의식 속에
있는 것으로 표현 하는 것이 아니라 꿈과 무의식의 상태를 가장 혜택받은 상태로
보고, 그것을 표현하기 위하여 외부의 영향을 피해서 자동적으로 즉석 에서 기록하려
하는 시의 방법이라고 말하고 있다. 커트 와이저의 작품을 살펴보면 이러한 자동기술법의
기법을 사용하여 드로잉을 하고 있다. 그는 Hudson River School를 통해 독일의 낭만주의와
16세기의 프랑드르 그림과 이탈리아 그림 등을 섭렵하게 된다. 그가 원하는 이 미지를
보여줄 수 있는 기술을 습득할 수 있었다.
Ⅲ. 작품의 외형적 특징
1. 비대칭적 형태
커트와이저의 작품에서 드로잉에 못지 않게 중요하게 다뤄지는 것이 형태이다.
그의 작품에서 보여지는 형태는 주로 비대칭의 곡선을 응용하여 만들어진다. 이러한
형태의 기는 드로잉을 하기 위한 입체적 종이 역 할을 하고 있다. 그 이유는 소지의
색이 흰색이며 기의 표면 굴곡에 의해 그림의 구도를 변화시키기 때문이다. 형태의
비대칭적 표현 에 대해 설명하기 위해 주전자, 병, 뚜껑이 있는 항아리로 구분한다.
첫 번째, 곡선을 응용한 주전자이다.일반주전자의 형태와 달리 커트와이저의 주전자는
대부분 몸통에서 뚜껑이 중간부분에 위치하지 않는다. 주전자의 뚜껑의 모양을 살펴보자.
뚜껑의 모양은 손잡이 쪽으로 치우쳐있어 몸통의 형태가 손잡이 방향으로 기울어져
있거 나(도판1), 몸통의 형태와 연장선을 이루고 있거나(도판2), 주전자의 몸통모양과
분리된 삼각형의 형태의 뚜껑(도판3), 일반적인 둥글고 손잡이가 있는 뚜껑의 형태로
보 여진다(도판4). 뚜껑의 손잡이는 구의 형태(도판5)와 식물을 응용한 형태(도판6)의
모양이 있다.
도판1: 곤충수집 가 도판2: 꽃병
도판3:Tiny Science,2000 도판4: Unititled 1, 2000
도판5:Blue Horizon, 1992 도판6: Outdoor Life Teapot, 2000
주전자의 물대는 일반적 주전자와 비슷하게 S형태의 모양으로 제작되었다. 두
번째, 비정형의 병이다. 병의 형태는 위가 넓은 사다리꼴형태의 몸에 중앙에 입이
있는 형태와 어깨 부분이 가로 방향으로 불러있 는 형태가 있다. 위가 넓은 사다리꼴형태의
몸통에 중앙에 입이 있는 형태는, 몸통이 좌우가 비대칭이며, 어깨가 넓고, 아래
부분은 좁다. 병의 몸 형 태가 정면에서 본 남자의 상체를 연상시킨다.(도판7) 반대로,
어깨 부분이 한 방향으로 불러있는 형태는 여자의 몸을 옆에서 본 듯한 형태가 된다.(도판8)
측면에서 본 여자 토루소의 모 양을 단순화하고 과장했다고 생각하면 된다. 병의
아래 부분과, 병의 입은 굴곡이 없이 평행으로 절단되어있다. 그러나 이 병들의 몸통
두께는 앞뒷면과 달리 별다른 형태의 변화가 없다. 세 번째, 뚜껑이 있는 항아리이다.
작품의 형태를 살펴보면 병과 뚜껑이 있는 항아리의 경우 몸통의 형태가 비슷하다는
것을 알 수있 다. 그러나 병이 아니라 뚜껑이 있는 항아리로 다시 분류한 이유는
뚜껑이 있는 경우, 뚜껑의 형태가 항아리의 몸의 형태를 다른형태 로 보여지게 하기
때문이다. 뚜껑이 있는 항아리의 경우 뚜껑이 한 개인 형태와 두 개인 형태가 있다.
뚜껑이 한 개인 항아리의 몸통 형태는 도판7에서 본 남자의 몸을 연상시키는 병의
몸통 형태와 비슷하다.(도판9) 그러나 볼륨이 있는 뚜껑이 전체 형태를 병과는 전혀
다른 항아리의 모습으로 보여진다.(도판10) 뚜껑이 두 개인 항아리는 하트형의 형태를
가지고 있다. 앞의 경우와 비교해보면, 이 몸통의 형태는 어깨 부분이 뚜껑 한 개인
항아 리보다 좌우 폭이 넓다. 그리고 항아리의 뚜껑은 몸통의 어깨 위에 있다고 설명할
수 있다.(도판11)
도판7:Red Leaf, 1998 도판8: Navigator, 2000
도판9: hypnotist1 도판10: The Hand and The Spirit, 1998
도판11: honey jar, 2000
2. 사실적 드로잉
커트와이저의 작품은 차이나 페인트(china paint)로 그려지는데 이것은 직접적으로
형태와 관련이 있다. 커트 와이저가 드로잉을 하게 된 배경을 알아보자. 그는 이집트와
중남미를 여행하며 그린 19세기 영국과 프랑스의 예술가들의 그림을 보고, 동양의
그림이 가진 특징에 매료되어 비슷 한 드로잉 기법을 사용하게 되었다. 이러한 그림
속에 많은 이야기가 있다는 것을 발견하고 드로잉에 대한 흥미를 갖기 시작했다.
그 래서 그는 많은 것을 만들어내는 것보다 작고 세밀한 부분에 초점을 맞추기 시작했다.
커트와이저가 타이를 여행했을 때, 차이나 페인트를 통해 그 나라의 물질적인 아름다움과
식물, 동물을 표현한 것을 본 후 그의 작 업은 색이 변화하게 된다. 차이나 페인트기법은
많은 실험이 필요했다. 또, 고온소성이 아니라 낮은 온도의 저온소성이 필요했다.
커트 와이저는 백자소지를 사용하여 기를 만든 다음 투명유를 발라 1300°(cone 10)로
소성을 한 후 차이나 페인트로 그림을 그린다. 며칠 또는 몇 달씩 소요되 는 오랜
시간을 들여 세밀하게 그림을 그려 750°(cone 018)로 소성 한다. 그는 드로잉을
여러 번 다시 수정하거나 재소성하여 정교 하게 드로잉을 하는데 평균적으로 원하는
드로잉을 얻기 위해 약 다섯 번 정도의 소성을 한다. 드로잉의 색에 따라 온도의
변화를 주기도 한다. 그는 직접 손으로 그림을 그리고, 그의 작업은 복잡하게 진행된다.
커트 와이저의 작품은 드로잉의 색에 따라 소성온도가 달라진다. 그래서, 차가운
색과 뜨거운 색으로 엄격하게 색을 구분하여 드로잉 을 한다. 그것은 직관에 의해서는
완벽한 이미지가 만들어질 수 없다는 것을 보여주는 것이다. 모든 형태와 색은 미리
결정되고 이러 한 계획에 따라 작업을 하게 되는 것이다. 이러한 색의 사용은 정밀하게
식물의 잎을 그리게 됨으로써, 비유적 상징을 담아 표현할수 있게 하였다. (도판12)
부드러운 색조보다 색의 강약이 있는 인체의 표현은 성적인 표현을 따분하지 않게
만든다.(도판13)
도판12: Specimen Jar, 1992 도판13: Unititled
커트와이저의 그림은 부분적으로 상상에 의해 그려지는데, 이러한 상상에 의한
그림들은 자세하고 명확한 다른 부분과 조화 를 이루도록 하였다. 커트 와이저의
드로잉에서 보여지는 소재를 세 가지로 나누어 보면 사람과 동물, 그리고 자연물로
나눌 수 있다. 사람은 명암을 통해 입체적으로 표현하고 있다. 사람의 얼굴은 일그러져
있는 형상으로 표현한다.(도판14) 예를 들어, 도판14의 경우 사람의 인체 드로잉은
사실적으로 표현되고 있으며, 뒷면의 왼쪽 사람의 얼굴은 서로 다른 방향에서 본
눈의 형태와 코와 입이 일그 러져 보이게 한다. 동물의 표현의 경우 동물은 사람과
함께 그려지기도 하고 개체적으로 이야기를 표현하기도 한다. 동물은 이야기의 중심이
되기도 하 며(도판15), 사람과 함께 표현되어 동(動)적인 특징을 가지고 있기도 하다.(도판16)
동물의 표현에 있어 약육강식을 통해 자신의 이 야기를 한다.(도판17) 넓은 잎과
나무들 등의 자연물은 사람과 동물의 배경으로 아늑한 자연으로 조화를 이루고 있다.(도판18)
도판14: hypnotist2 도판 15:Mammal Landscape, 1993
도판16: 잠자는 사람 도판17 :Fidelity, 2000
도판18: iguana
Ⅳ. 드로잉의 내용을 통한 정신세계 표출
커트와이저의 작업을 설명하기 위해서는 많은 단어가 필요하다. 정신의 표현에
의해 다양한 주제를 표현한다. 풍요와 열대 성, 죽음, 흥분에서부터 성적인 것까지
표현한다. 드로잉의 특징을 살펴보면 초현실적인 형태를 연속적으로 그림을 그린다.
그의 그림은 자연을 투시하였다. 그의 작업의 신비한 세계는 식물, 큰 곤충, 크게
일그러진 얼굴 등으로 알려졌다. Edward Lebow는 커트와이저 자신의 생각으로부터
이미지를 창출하는데 "그의 정신세계는 앞을 볼 수 없을 정도로 안개가 자욱하고,
새가 지저귀며, 늪 속에 까마귀가 운다."라고 표현하고 있다. 주전자와 병,
항아리의 형태 위에 그려진 그림들에는 이러한 커트와이저의 정신세계가 포함되어
있다. 그러나 드로잉만으로 자신의 정신세계를 표현하는 것은 아니다. 커트 와이저의
주전자 제작은 차를 마시는 것이 가족적이고 개인적인 행위라고 사회적으로 인식하
고 있는 것이다. 찻주전자의 형태는 가정적인 장소를 연상시킬 수 있다. 이것은 상징적인
차원에서 예절, 의식, 편안함, 양육, 기쁨을 나타내기도 한 다. 그의 작업은 이런
풍부한 상상력은 포스트모더니즘과 로맨티시즘을 뒤섞어 놓는다. 1925년 독일 평론가인
프랑 로(Franz Roh)는 커트 와이저의 작업은 환상적 사실주의(Magic Realism)의 정신을
불러일으켰고, 디테일에 중점을 둔 섬세한 그림이라고 설명하고 있다. 그리고 그의
작업은 부드러운 초현실주의(soft-core surrealism)의 성격을 가지고 있다. 유혹적인
끔의 세계를 분위기 있게 표현하거 나 정밀한 기법을 사용하는 점에서는 비슷하다.
기법적인 측면에서 볼 때, 조지 토커(George Tooker)(도판19)의 경우 그림을 그리기
위해 적절하게 붓을 사용하여 표현함으로서, 그리고자 하는 이미지를 분명하게 나타낼
수 있고 커트 와이저의 작품에서도 비슷한 표 현을 찾아볼 수 있다.(도판20) 그러나,
부드러운 초현실주의 화가들은 현실적 소재의 작품 제작하며, 이러한 중요한 성향은
커트와이 저의 작업과는 매우 다르다. 커트와이저의 그림은 부분적으로 상상에 의해
그려지는데, 이러한 상상에 의한 그림들은 자세하고 명확한 다른 부분과 조화를 이루도
록 하였다.
도판19: George Tooker 도판20:Platter With Bird, 1993
Ⅴ. 결론
커트 와이저의 작품에 나타난 드로잉의 내용은 개인적인 것으로부터 사회적이고
정치적인 알레고리에 이르기까지 자극적인 이야기들이다. 도자기의 형태와 표면에
그려진 이미지들의 묘한 결합은 안락한 미학적 경험을 기대하는 관람자들에게 오히려
불안감 을 안겨준다. 인간 심리의 어두운 병리학과 문명 속에서 동요하는 인간 존재를
분명히 보여주는 것이다. 커트 와이저의 작품에서 나타난 형태의 매혹적인 아름다움과
풍부한 의미를 담고있는 이야기들을 볼 수 있었다. 그는 "내가 해야 할 것을
꼭 한다"고 이야기하고 있다. 그는"self entertainment"라는 단어를
끄집어내었다. 보이는 대로 느끼는 대로 그러나 정직하게, 깊은 사색과 고립을 통해서
조용하 고 맑은 그림을 그려서 세상에 내놓고 있었다. 그는 그의 이야기를 그린다.
그의 작품을 바라보는 다른 사람마다의 이야기가 될 수 있는 그림을 그리고 있다.
그려질 그림의 이야기에 그의 예술을 담는다. 커트 와이저는 작가로서 성공했다는
것은 자신의 작업세계를 찾았을 때라고 말한다. 그는 현재 아리조나 대학의 도예과
교수로 재직 중이며, 학생을 가르치는데도 정열을 가지고 있다. 이러한 작가 정신은
그에게 교육을 받는 다음 세대에게 중요한 교훈이 될 것이다. 또한, 그의 작품에
나타난 형태와 드로잉을 통해 작가의 정신세계를 설명할 수 있었다. 마지막으로 커트
와이져에 대하여 연구하며, 그의 쉼 없는 작업에 대한 열정과 작품에 대한 애정을
느낄 수 있었다. 그리고 본 연구자가 앞으로 작업을 계속하기 위해 작가가 가 져야할
태도에 대해 다시 한번 생각하는 계기가 되었다.
*참고문헌 <한국어본> 노버트 린튼, 『20세기의 미술』,윤난지 역, 예경,
1993. 장 뤽 다발, 『추상미술의 역사』,홍승혜 역, 미진사, 1990. 찰스 해리슨,
『추상표현주의』, 이영철 역, 열화당, 1988. 최은경, 「kurt weiser 그의 삶과 예술」,『월간
도예』, 2001.4, pp.45-47. 누벨 오브제, 「kurt weiser」, 디자인하우스, 1996,
pp.200-203. <외국어본> Mark Richard Leach,「Kurt Weiser」, 『American
Ceramics』, 1993.11-1,pp.24 Edward Lebow,「Glaze of Glory」, 『American Craft』,
1995.12-1. 『ceramics monthly』, 1993.12, pp.51-52. 『ceramics monthly』, 1993.2,
pp.48.
*참고 싸이트
http://www.umt.edu/
http://www.ceramicart.com.au/
http://www.ferringallery.com/
http://www.studiopotter.org/
http://www.mintmuseum.org/mmcd/weiser.htm
http://www.garthclarkgallery.com/
http://researchnet.asu.edu/gallery/
*작가 양력
1950년 미시간에서 태어나서 성장함
1972년 캔사스 주립대 (Kansas City Art Institute, Kansas City, MO B. F. A.) 졸업
1976년 미시간대학 도예과 대학원 (University of Michigan, Ann Arbor, MI M. F.
A.)졸업
1988년 애리조나 대학 도예과 교수로 재직
미국 몬타나주의 아치 브레이 (Archie Bray) 도예재단에서 12년 동안 디렉터로 일함.
개인전
2000 Garth Clark Gallery, New York
1999 Working his Way around China, Montgomery Museum of Art, Montgomery, AL
1998 Frank Lloyd Gallery, Los Angeles /1996 Garth Clark Gallery, New York
1995 Garth Clark Gallery, New York
1993 Garth Clark Gallery, New York ,Joanne Rapp Gallery, Scottsdale, AZ
1990 Garth Clark Gallery, New York
1986 Lawrence Gallery, Portland, OR ,Salem Art Association, Salem, OR
1985 White Bird Gallery, Cannon Beach OR , Paris Gibson Square, Great Falls,
MT
1984 Yellowstone Art Center, Billings, MT ,Anderson Ranch Arts Center, Aspen,
CO
Lawrence Gallery, Portland, OR , Cohen Gallery, Denver, CO
1983 Brentwood Gallery, St. Louis, MO ,Hand and Spirit Gallery, Scottsdale,
AZ
The Craftsmen's Gallery, Omaha, NE
1982 Surroundings Gallery, New York , Garth Clark Gallery, Los Angeles
단체전
2000 Defining Craft I - Collecting for the New Millennium, American Craft Museum,
New York Color and Fire -Defining Moments in Studio Ceramics, 1950-2000, Los
Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA Everson Ceramic National 2000,
Everson Museum of Art, Syracuse, New York
1999 Contained Narratives, Garth
Clark Gallery, New York Precious, Garth Clark Gallery, Ceramic Millennium, Amsterdam,
Netherlands Anne & Sam Davis Collection, Arizona State University Art Museum,
Tempe, AZ
1998 American Craft, Renwick Gallery, Smithsonian Institution, Washington D.
C. Splendour of Porcelain, Los Angeles County Museum, Los Angeles, CA
1997 Teapots, Craft and Folk Art Museum, Los Angeles, CA Perimeter Gallery,
Chicago, IL Charles Wustum Museum of Fine Arts, Racine, WI
1996 Craft Alliance Gallery, St. Louis, MO Strong Museum, Rochester, NY
1995 The Nude in Clay, Perimeter Gallery, Chicago Keepers of the Flame: Ken
Ferguson's Circle, Kemper Museum of Contemporary Art & Design, Kansas City,
MO* Contemporary Clay Works National, Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ
1994 The Collector's Eye-Contemporary Ceramics: American, Canadian and British
from the Collection of Aaron Milrad, The Koffler Gallery, Toronto, Canada *
Ancient China Modern Clay-Chinese Influences of Five Ceramic Artists, Phoenix
Art Museum, Phoenix, AZ Museum of Contemporary Ceramic Art, Shigaraki, Japan
1993 National Museum of Ceramic Art, Baltimore, MD Duncan Gallery of Art, Deland,
FL Archie Bray Foundation, Helena, MT
1992 Two Person Exhibition, Garth Clark Gallery, Kansas City, MO Museum of Contemporary
Ceramic Art, Shigaraki, Japan American Ceramics, Seibu Department Store, Tokyo,
Japan The National Museum of History, Taiwan, Republic of China
1991 Dorothy Weiss Gallery, San Francisco, CA The Farrell Collection, Washington,
DC Helen Drutt Gallery, New York Pro Art Gallery, St. Louis, MO Joanne Rapp
Gallery, Scottsdale, AZ The Farrell Collection, Washington DC The Mint Museum
of Art, Charlotte, NC 외 다수
