도예가 다른 예술과 차별화되는 가장 큰 이유는 무엇인가. 흙이라는 오랜 원초적 재료가 가지고 있는 여러 가지 함의와 고온의 불에 의해 완성되는 프로세스의 구속력이다. 따라서 많은 도예가들은 이 양자의 초자연적 의미를 작품의 근간으로 두고 소위 신비주의를 지향하기도 하였다.

 그러나 권오훈교수는 이 양자에 대해 아무런 미련을 두지 않는 듯하다. 오랜기간 권교수는 정확한 데이터에 의해 만들어진 변수없는 재료를 사용하여 왔고 또 그렇기 때문에 그의 작품은 집요한 계산과 노동의 산물로 치부될 정도로 우리나라 도예계에서는 특별한 경지를 구축해왔다.   

  이와같은 작품에 대한 철학적 사고를 기반으로 그는 기학학적이고 정적인 구조체에 논리적이고 질서정연한 요철의 표면으로 입체적 옵티컬 일루젼이 있는 미니멀리즘적 구성을 탐구해왔다.

 한마디로 환언하여 미니멀리즘적인 그의 작품은 모듈에 의한 방식(modualarity)과 연속적 방식(seriality)의 수학적 구조가 동시에 사용되고 있다. 이는 얇은 판들을 켜켜이 쌓아나가면서 전후로 반복되는 미묘한 요철을 만들어 기본형을 구축하고 다시 동적인 기하형을 얹어 새로운 일루젼을 만들어 나가는 방법이다.

 완성된 형태는 빛에 의한 음영의 효과를 동반하면서 관람객의 시선을 교묘하게 환각으로 이끌어 나간다. 특히 그의 작품이 회화와 조각의 미니멀리즘에 비해 주목할 만한 점은 주변환경과의 관계설정에서 비껴가고 있다는 사실이다. 실제로 회화나 조각의 미니멀리즘은 전시장의 구조와 환경, 관람자의 위치 그리고 조명 등이 적극적으로 개입되지만 권교수의 것은 작품자체의 연속적 방향성에서 관람자를 흡입하고 있다는 사실이다. 작품 한 점 한 점이 가진 완결된 조형성은 물론이지만 그것들이 대량으로 접합되었을 때는 보다 미묘한 구조적 연속성을 가질 수 있는 가능성에 주목하게 되는 것이다.

 또한 통상의 작품들이 외부광선에 노출되어 보여지는데 반해 삽입된 광원으로 스스로 빛을 발하고 있는데서 광선에 대한 능동적 태도를 알 수 있다. 이는 그의 작품에서 상호모순되는 점 즉,  도예가 가지고 있는 태생적 한계 즉 공예성에 대한 편견을 부채질 할 수도 있다는 점 -조명기구로 폄하되는- 이지만 빛의 색에 따른 질료의 고유성을 극대화시키고 있는 점을 간과하면 안되는 것이다.

 더욱이 이번에 발표하는 작품들은 종래의 것들과는 사뭇 다른 조형적 실험을 하고 있는데서 주목된다. 가장 눈에 띄는 변화는 구조의 진화이다. 직선과 곡선 육면체와 구 그리고 다른 기하형의 조합, 표면의 질서정연한 요철 등은 종래 작품들의 형식을 견지하고 있으나 수직 육면체의 측면을 과감하게 덜어내고 자유로운 기하형과 확장된 선들을 도입하는 것은 작품에 공간감을 더하는 것은 물론 빛에 의한 음영의 효과를 보다 드라마틱하게 전개 시키고 있음을 알 수 있다.

 이러한 시도는 정면적이고 대칭적인 구조 즉 사변적(思辨的) 형태에서 일탈하여 보다 자유로운 사유의 결과를 구 체 화 시 키려는 실험정신의 발로라 할 것이다.