Canadian-born sculptor Robert Harrison has reflected upon this apparently primal

impulse [the need to personalize space and, above all, to compel it to speak in human terms]

 for more than thirty-five years, studying ancient monuments from Stonehenge to the

 pyramid of Kukulkan at Chichén Itzá and designing his own site-specific works to

acknowledge patterns in the heavens, respond to environmental forces, a

nd converse on visual terms with the surrounding landscape.

캐나다 출생의 조각가인 로버트 해리슨은 35년 동안 주요한 충동

(공간을 개인화하고, 무엇보다도 인간의 경우를 위해서)을 뚜렷하게 반성하는 작업을 해오고 있다.

스톤헨지에부터 치첸이차 쿠쿨칸의 피라미드까지 고대 기념비적인 유산들을 공부하며,

그는 그만의 장소 지향적인 작업을 구상한다.

이러한 과정동안 그는 천국의 패턴, 자연적인 힘에 대한 반응,

그리고 그 주변의 지형지물과의 시각적인 대화를 나눈다.

I began my professional career working in ceramics over thirty years ago.

My initial work was through the vessel format, f

ocusing on form and Oriental traditions in clay.

After several years of exploring the vessel the work took a decidedly sculptural bent.

The next few years brought an increase in scale and a focus on site,

with the ideas drawing heavily on influences in architecture,

land art and the introduction of additional sculptural materials.

나는 전문적인 도예작업을 30년 넘게 해오고 있다.

나의 첫 번째 작업은 기 형태를 통해 형태 그 자체에 중점을 두고

동양의 도자 전통을 중시하는 작업이었다.

기 형태에 대한 연구를 수년간 하면서, 내 작업은 조형적인 방향으로 나아갔다.

 그 후의 몇 년 동안은 추가적인 조형재료를 사용하기 시작하면서 작업의 크기가 켜졌고,

건축, 대지미술에 대해 집중하면서 장소에 대한 집중도가 높아졌다.

I have been exploring architectural concepts in both the larger site-specific outdoor

and museum installations as well as a body of smaller scale studio works over the past

three plus decades, attempting to play one body of work off the other.

The studio works are more intimate,

have included a variety of materials and allow for intensified exploration.

In recent years I have intentionally focused my studio practice

 in a strictly ceramics orientation, in essence bringing my studio work full circle,

and back to my ceramic roots.

스튜디오에서 하는 작업은 더 다양한 재료를 사용하고

 강렬한 실험이 가능하기 때문에 나와 더 친밀히다.

최근, 나는 일부러 도예 그 자체에서부터 출발하려는 시도를 하고 있다.

이것은 나의 작업을 한바퀴 빙 돌아서 도예의 뿌리로 회귀하려는 점이다.

Space is a primary component of my work and the consideration of interior

or exterior space is elemental to the challenges of working in any scale,

be it monumental projects or the intimacy of a hand held studio object.

The Architecture of Space has defined itself as the focus of my artistic exploration.

Over the past decade I have had several opportunities to

 work with national and international brick and tile factories.

The challenge I have set for myself is to explore the potential of these industrial opportunities

 and utilize the resources and tools they offer to further my creative pursuits

 in both large and small scales.

공간이라는 것은 나의 작업의 주요소이고,

내부와 외부의 공간을 생각하는 것은 거대한 프로젝트가 되던 스튜디오에서 가능한

손안에 들어오는 친밀한 작업이든 간에 어떤 크기의 작업을 하든 나에게 도전적인 부분이다.

공간의 구조는 나의 예술적 탐구를 집중하게 만들며 자신을 정의한다.

최근 십년간 나는 국내외 벽돌과 타일공장과 함께 일할 기회가 있었다.

이러한 공업적 기회를 통해서 가능성을 탐방하고 그들이 가진 재료와 도구들을

나의 예술적 열망을 위해 사용하였다.

Regardless of the opportunity or application,

my continued effort is to respond to the environment (site),

utilize the given space and create work that resonates with a ceramic echo.

기회나 적용을 제외하고도, 나는 환경에 상응하고, 주어진 공간을 잘 활용하여

도예가 가지는 그 자체에 대해 질문하는 작업을 하기 위해 끊임없이 노력한다.